martes, 1 de diciembre de 2009

Julie Mehretu






“Creo que, en mi caso, al principio los cuadros nacieron de mis dibujos. El impulso la voluntad inicial de investigación era intentar desarrollar mediante el dibujo un lenguaje capaz de comunicar distintos tipos de narrativa y levantar un paisaje urbano en el que cada trazo tenga carácter propio, un modus operandi de comportamiento social. Cuando empezaron a crecer y desarrollarse en el dibujo, quise verlos matizados en varias capas, construir una dimensión espacial y temporal diferente en las narrativas”

La obra de Julie Mehretu se basa en la combinación de la pintura y el dibujo, llamado por ella misma “dibujar en la pintura”. Mehretu hace una separación física del dibujo, representándolo únicamente como la forma y los símbolos, y la pintura como la representación base del color: con esto se ha logrado crear un lenguaje muy particular que se lleva a cabo a murales y en retablos, mediante la utilización de varias capas lechosas y semitransparente de colores que luego retoca con trazos de dibujo.

No podríamos definir el estilo de Julie Mehretu tan fácilmente: no podríamos siquiera definirlo como algo estable. Nos encontramos con un lenguaje abstracto y cambiante que contiene pinceladas, graffiti, caligrafía, paisajismo, elementos góticos, alusiones arquitectónicas etc.

Nos encontramos también con diseños de tatuajes, símbolos de banderas, elementos del cómic, entre otros, que actúan (después de haber sido agrupados por la artista) como unidades separadas del conjunto de la escena.

Mehretu es una artista de una gigante complejidad, donde se nos plantea un equilibrio entre la fusión y la separación de elementos plásticos, expresado con un lenguaje nuevo y metafórico que se basa, precisamente, en el equilibrio de la fusión y la separación de ciertos elementos de nuestro día a día, de la historia y de nuestras percepciones.

lunes, 9 de noviembre de 2009


Walter Mignolo nos habla de una marca geo-histórica en el estudio de la historia del conocimiento: no podemos negar que la historia tiene un valor y un lugar de origen, por lo tanto lidiamos constantemente con diferentes tipos de conocimiento. Catherine Walsh nos da un ejemplo de la diferencia colonial entre el conocimiento de los Incas y Azteca (quienes no poseían escritura) y el conocimiento de las universidades renacentistas. Está de más decir que los europeos desestimaron el conocimiento de los indígenas Americanos, entre otras cosas. Podríamos decir entonces que la colonialidad del poder es el “discurso que justifica la diferencia colonial”.

Evidentemente, si nos estamos refiriendo a una diferencia cultural, debemos hablar de centro de poder y por ende de regiones subalternas: los líderes que nos son impuestos y los seguidores. Por eso nos referimos a esta diferencia cultural como colonialidad.

Teniendo esto en cuenta Mignolo se refiere a América Latina como un producto y una consecuencia: ¿Qué ejemplo más claro que la cultura que fue impuesta por los colonizadores quienes arrasaron con la “inferior” cultura indígena americana?

Podríamos decir que un ejemplo claro del concepto de colonialidad en el arte es el muralista mexicano Diego Rivera, quien además de tener una gran cantidad de obras reflejando la historia de México (desde la vida azteca hasta la revolución mexicana en contra de Porfirio Díaz en 1910), tiene otra gran cantidad de obras donde refleja su influencia comunista y su crítica social. Podríamos decir que la firma de la obra de este muralista es notoriamente social: cuenta la historia del pueblo mexicano a través del tiempo alzándose frente a sus opresores. Nos encontramos con una obra realizada para enaltecer a un pueblo y respetarlo, y rechazar la imposición de cultura realizada durante la colonización, a través de una visión marxista importada desde Alemania.

Hablar de una superioridad de conocimientos como mencionamos anteriormente entre la universidad renacentista y por ejemplo la mitología azteca, es una forma muy cerrada de ver las cosas: no debemos hablar de superioridad o inferioridad cuando se trata de diferencias culturales. Pero por otro lado nos encontramos con que ya prácticamente no hay culturas “vírgenes” o “puras” todas las culturas han sido influencias por otras, adoptando lo deseado.



Supongo que la diferencia es ese pequeño detalle: se adopta lo que cada cultura desea, no se impone lo que uno considera que la otra cultura debe desear para convertirse en una genuina cultura.

miércoles, 4 de noviembre de 2009

Retratos contra el Maltrato


La violencia domestica se ha vuelto cada día un problema más grande a nivel mundial. En Venezuela solo 1 de cada 10 mujeres víctimas de maltrato lo denuncian.

La campaña en contra de la violencia domestica empezó con Amnistía internacional, haciendo presión en varios estados de Venezuela para el cumplimiento de la ley con respecto a la seguridad de las mujeres.

El 4 de noviembre el nuevo periódico digital CodigoVenezuela.com se presenta una exposición con pinturas emblemáticas del patrimonio cultural llevadas a lenguaje fotográfico, en apoyo a dicha campaña y en el marco del lanzamiento de dicho periódico. La exposición cuenta con la participacion de de Chiquinquirá Delgado, Albani Losada, Bony Simonovis, Odalys Forero, Ligia Petit, Roger Santodomingo, Ubaldo Arrieta, Javier Vidal y Laureano Márquez, entre otros.


(4 de noviembre, 7:00 pm. Terraza del Mercado de Chacao)



miércoles, 28 de octubre de 2009




Bueno, ya salió la lista oficial y tengo dos compañeras! entonces le vuelvo a dar la bienvenida a Gaby Hernández, y a Rosmary Romano! espero que nos vaya muy bien.

saludos :)

Gab

martes, 27 de octubre de 2009


"La funcionalidad de un ordenador es una cualidad estética: la belleza de la configuración, la eficacia del software, la seguridad del sistema, la distribución de la información; todas son características de una nueva belleza"

El principio de todo: el nuevo arte, JODI, y la era digital.



En 1993 dos artistas plásticos viajan a Silicon Valley. (¿Recordamos el año 1993? yo era muy chiquita, pero según he leído es prácticamente el gran año del Internet. Pleno fenómeno de las "puntocom"). En fin, a su regreso, Joan Heemskerk y Dirk Paesman, crean lo que sería la primera página web artística. Una página cuyo texto descoyuntado e imágenes parpadeantes hacen creer que la computadora ha empezado a trabajar descontroladamente, imitando un virus o un error de sistema. (click acá para ver la página de los artistas plásticos: <-<-<->->->? esto cambio totalmente la forma en la que se veía el internet y demostró que esto no es únicamente una simple vía de comunicación , también podía ser una forma de expresión artística como la pintura, el video, la fotografía, etc.

El año 1994 (ahora si viene el gran bum) Es un año clave en la historia de la tecnología. Mejor dicho, es un año clave en la historia: Netscape presenta su primer navegador comercial, cosa que populariza el internet convirtiéndolo en masivo un medio de comunicación, publicación y comercio.

¿Significó esto un nuevo e importante cambio estructural en la sociedad como lo fue la revolución industrial? ¿Fue esta la nueva revolución? ¿La revolución de la información y el mercado global?

El internet significó cosas muy distintas según los intereses de cada persona (o institución): para los empresarios significó una puerta a la fortuna rápida. Para los activistas políticos fue una oportunidad de buscar apoyo internacional, como por otro lado para los dictadores significó muchos problemas. Para los magnates de medios de comunicación fue un canal a través del cual distribuir contenido.

Después de esto, muchos artistas, galeristas y críticos se interesaron en el tema y se empezó a hablar de "arte de los nuevos medios" para referirse a obras que empleaban tecnología digital tales como instalaciones multimedia interactivas, arte en la red (como JODI), videoarte etc.

¿Será que todos los medios de comunicación son eventualmente usados como expresiones artísticas? ¿El arte está tan fijo dentro de nosotros que sin querer convertimos la comunicación en una maravillosa expresión artística?

lunes, 26 de octubre de 2009

Lorena González: “No hay política cultural en los museos



La siguiente entrevista fue extraida de El Universal, el lunes 31 de agosto 2009.

Entrevista // Lorena González, curadora y profesora de la Escuela de Artes de la Universidad Central de Venezuela

“Siento que en los museos nacionales existe un abandono que le está costando cada vez más caro al país”

El abandono que han experimentado los museos nacionales durante la década del gobierno del presidente Hugo Chávez les está costando muy caro a los venezolanos. Así lo afirma la curadora y profesora de la Escuela de Artes de la Universidad Central de Venezuela, Lorena González, quien además hace hincapié en que será un costo irreparable para la historia cultural nacional, que nunca se va a poder recuperar.

“Existe algo lamentable: el silencio editorial en el que se han insertado todos los museos en estos últimos 10 años con los catálogos. Ese es el curso de una generación de una década que no tiene publicaciones, que no existe. Las galerías comerciales por más que puedan sostenerlo no tienen la infraestructura, no tienen la posibilidad. Ni tampoco deberían de tenerla, porque ninguna galería comercial debe cumplir el papel del Estado, del museo”, dice González.

-¿Es decir que se habla de un costo histórico?

-Es un costo histórico irrecuperable. No hay catálogos, más allá que en algunas publicaciones de las galerías. Pero no es lo mismo. ¿Cómo recuperamos 10 años? Además, también las colecciones se paralizaron. Más nunca adquirieron piezas. Recuperar todo ese tiempo sería un costo altísimo, porque se deben contratar investigadores y buscar piezas. Y por más esfuerzos que hagas nunca vas a poder tapar esos vacíos. Allí hay 10 años y vamos para más. ¡Estamos paralizados!

-Entonces, ¿cuál es la situación actual de los museos?

-Hay una situación detenida. Algunos proyectos se hacen: la sede de la Galería de Arte Nacional, que es magnífica; hay algunas exposiciones en el Museo de Arte Contemporáneo y en el Museo Alejandro Otero. Pero en líneas generales la producción está bastante paralizada. Lo más delicado es que los museos reflejan la situación del país. Es la conducta de los venezolanos frente a los problemas. Aquí hubo tres modelos museológicos importantes: el Miguel Arroyo, con museo como experiencia estética; el de Manuel Espinoza, que comprendió que había que educar, inició las visitas guiadas, los talleres; y el de Sofía Ímber, el museo comunicacional que llegara a todos los rincones. Pero en lugar de tomar lo mejor de los tres modelos, lo que se hizo fue acabar con todo, y no promover una línea de desarrollo. Es gravísimo que teniendo los museos los artistas jóvenes estén desesperados porque no hay dónde exponer.

-En esa idea de “acabar con todo” se prescindió de los mejores curadores, museólogos e investigadores…

-Te hablé de los modelos de museo, porque ese es el punto. Cuando se hacen los cambios ciertamente tenían que reestructurarse y definirse los modelos. ¡Pero no! Se comenzó a identificarse con la personalidad. Entonces, el museo comunicacional que es Sofía Ímber desaparece por los roces que alguien tuvo con ella. Es no tener la capacidad de visualizar qué se debe hacer o corregir. ¡Lo que se hizo fue arrasar! Hasta se cambiaron los perfiles de los museos, algo fundamental. El perfil otorga las líneas sustanciales en el desarrollo no sólo del testimonio del arte actual sino, además, de la difusión de artistas y espectadores.

-¿Ese cambio de perfil ha tenido relación con las personas que han dirigido en su momento la Fundación Museos Nacionales?

-Sí, eso ha pasado un poco. Pero tengo la sensación de que no saben qué hacer. Por ejemplo, el Iartes tiene buenas propuestas y está apoyando al arte venezolano. Pero siento que en los museos existe un abandono que le está costando cada vez más caro al país. Son infraestructuras que si no las atiendes se desmoronan. La sala principal del MAO tiene un hueco en el techo. Esas cosas cuestan, y mucho.

-¿Se le están viendo las costuras a los museos? El Bellas Artes tiene filtraciones, el MAO está en pésimas condiciones…

-Sí. Es como todo: si lo abandonas se daña. ¡Es insólito que se inaugure la Galería de Arte Nacional y toda esa infraestructura se esté cayendo! En cierto modo funcionaba. Estuvo activa por mucho tiempo. Son 10 años de no hacer nada en los museos.

-¿Se justifican las condiciones de los museos, con la cantidad de dinero que ha manejado el gobierno de Chávez?

-¡Claro que no! ¿Cuáles son los fines del abandono? La verdad, no lo sé. La sensación que tengo es que hay voluntades cruzadas que son muy personalizadas. Es como si no les importara. No ha habido una programación sostenida para desarrollar una línea de investigación, más allá de la colección. Creo que la orden es: trabajen con la colección. ¿Dónde está el presupuesto? Tiene que existir para sostener la infraestructura, para hacer exposiciones, investigación. Yo trabajé en el Museo Alejandro Otero y durante el año teníamos entre 10 y 15 exposiciones. ¡10 y 15! Ahora no pasan de dos. Es una situación muy grave, también internacionalmente.

-¿Un costo internacional?

-Nuestros museos eran muy importantes para Latinoamérica. Había una situación de visibilidad importante y para algún artista pasar por un museo de Venezuela significaba un interés para su carrera. ¡Y claro que se siente! Gente de afuera me pregunta ¿qué pasó con los museos en Venezuela? ¡Nosotros teníamos una presencia!

-El hecho de que un artista exponga en el museo y otro no pueda hacerlo, ¿sería un costo político?

-Yo entiendo que hay una situación de mucha radicalización y que no es justificable ni de un lado ni del otro. Hay que empezar a ver cómo te empiezas a insertar en los museos y cómo te apropias de los espacios. ¿Que existen artistas que no quieran exponer en los museos por algún tinte político? Pero es que tampoco los están llamando a exponer, porque no hay una programación. Además, ¿dónde están esos artistas de la revolución? ¿Dónde?

-¿Al parecer, ahora el Museo de Arquitectura y el de Arte Popular quieren la antigua sede de la GAN, en Bellas Artes?

-Yo me pregunto: ¿dónde está el Museo de Arquitectura o el de Arte Popular? ¿Dónde están esos lineamientos, la visión, misión o valor? ¿Dónde están las personas que se encargarían de eso? Tengo la sensación de que están montados con unas iniciativas muy superficiales que tienen sentimientos de particulares. ¿Por qué se acaba con todo?

-El viceministro de Cultura, José Manuel Rodríguez, dijo que Venezuela devolvería a su país de origen las colecciones chinas, egipcias…

-¡Por favor! No. La cosa más comercial del mundo es la porcelana china y esa se hizo para vender. Sin comentarios.

-¿El problema principal de los empleados de los museos no es el sueldo sino la infraestructura de su trabajo?

-¡Eso es lo que hay! No hay una línea clara y definida sobre qué es lo que va a pasar con eso. Tienen que respondernos: ¿el museo se va a perder? Llega un punto donde es una situación desangrante, difícil, agotadora y además se refleja el país. Es lo mismo que desangrar a una persona, amenazarla, desangrar a un medio. Empieza una letanía y allí la gente se va debilitando y pasa lo que ellos quieren que pase. Ya son 10 años de esta situación. Sí te pagamos el sueldo pero no tienes presupuesto para hacer una exposición. Además, los curadores jóvenes no tenemos generación de relevo. No la hay porque el museo se había constituido como el sitio de educación de las artes visuales. Eso me parece preocupante. Se cambian los perfiles, desajustan la infraestructura, desestabilizan los lugares de educación y paralizan la generación de relevo. ¡Estamos hablando de otra historia que, me imagino, nos contara el Unearte!

-Es decir, ¿es una cultura de destrucción y no de construcción?

-Depende. Ellos seguramente también van a construir otra cosa. Es la sensación que tengo. Hay algo de silenciar para destruir. ¡Se está destruyendo! Pero la política ahora es nula, no existe. No hay política cultural en los museos. Es como una parálisis. Igual, me imagino que van a construir de otra manera. Para mí es una incógnita.